书法跟绘画从来没有分离过

2019-03-07   来源:新浪收藏

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                                             陈振国 咖啡店 138cm 68cm
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                                             招炽挺 脊梁 187cm 189cm
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                                             孙戈 初试 136cm 69.2cm
                                    孙戈 初试 136cm 69.2cm

                                             张弘 毕业N年的某次欢聚 345cm 145cm
                                    张弘 毕业N年的某次欢聚 345cm 145cm

  市美协人物画艺委会召开座谈会,陈振国招炽挺等热议笔墨与绘画的关系:

  广州市美协中国画人物画艺委会日前在比玉堂举办了有关“人物画造型与笔墨”的话题座谈会,广州美院教授陈振国、原广州军区政治部文艺创作室副主任招炽挺、广州美协副主席孙戈、广州美术学院教授张弘等分别就有关“人物画造型、素描、书法”等方面展开了深入探讨。

  广州美院教授陈振国:

  学画就是一个“装”和“扔”的过程

  一个人学画的过程,就像摄影的专用背心,有十几个口袋,学画的过程就是不停地往里装的过程。当觉得装得太满,就要开始清理,没用的就“扔”,留下的就是自己的风格了,但装的过程很漫长。

  现在理论界经常讲线条和素描,实际上,这里有个误区。就素描本身而言,就包括早期经典素描、法派素描、德国素描、苏派的光影素描。现在大部分人对素描的概念就停留在对苏派光影素描的认知上。中国的学院教育所涉及的知识体系也非常广,单是广州美院的教师团队就有从日本、美国、德国、苏联留学回来的。因此,写实道路的选择其实是很宽的。写实绘画有个特点,视觉上来看接近真实,但越是接近真实,抽象的语言特色就越重要。

  书法跟绘画从来没有分离过。从某种意义来讲,线是中国画最大的特点,我也不太认同,我觉得笔才是中国画最大的特点,特别是水墨画。有时候我觉得,中国毛笔那种软性的特点,在宣纸上的效果比较敏感,笔性能充分体现,跟作者心情、性格、文化、素养都是连在一块的。所以,从某种意义上来讲,笔就是风格。毛笔在宣纸上反映的细腻程度,是硬笔没有的,很多西洋画也没有,所以,关于笔的讲究,中国画不能“扔”。

  原广州军区政治部文艺创作室副主任招炽挺:

  绘画探索离不开传统笔墨

  写实这条路一定要解决造型问题。我发现很多画家年纪大一点的时候,就没有了年轻时对造型的敏锐触觉,也许就是因为造型问题在年轻时没有得到很好的解决。有时候非常简单的对象,画出来都感觉不舒服。不是说画得像照片一样准确就好看。关于造型问题,一定要有美感,特别是画小写意,一定要解决好这个问题。

  我为什么强调造型问题?老一辈的画家,画过连环画的,在这方面都有专门的锻炼,构图、人物的组合都能解决。假如笔墨离开形,很难分辨高低。但有形体的约束,马上就可以分高下。特别画写意的,简单几笔,造型能力、才情、笔墨功夫、修养一下就能看出来。但反过来说,因为有难度,才能激发大家更大的兴趣去追求。画画这个东西有什么用?画画其实有时候就是求得心灵的慰藉,有精神的归属感,所以,我们才迷进去,这就是画画的初心。

  其实,讨论素描和国画是什么关系,完全没有必要,这不是问题。学点西画肯定有好处。西画有助于提高整体感的把握能力,对大画面的处理,往往是中国画里面欠缺的。说到笔墨,我在小时候跟老先生学过传统的东西,虽然没有进过国画系学习,但基本的笔墨功夫还是具备的,我也注意借鉴吸取一些北方的画法。

  我在上海美术馆,有一次看到任伯年先生的一幅原作,介乎于大小写意之间,让我印象深刻的是,他用面块来画,画得非常到位。为什么徐悲鸿先生那么推崇素描?看了这幅作品,我感觉还是有他的道理。有很多东西我们都可以吸收,我比较注意别人作品的优点。

  在人物画的探索当中,有的人以花鸟入画,但往往容易单薄,北方是以山水的方法入人物画,所以比较厚重,其实都可以不断地尝试,都可以探索,探索的余地非常广,花样也比较多,但是离不开传统的笔墨,没有传统的笔墨就不耐看。所以,有时候我感觉很后悔,小时候应该学一点诸如颜体这样厚厚的书体,对后来画画应该有好处,现在年纪大了,知道得有点晚。

  市美协副主席孙戈:

  杨之光老师告诫我画画要简

  关于“扔”的问题,很多人都提出过。要敢于“扔”,我觉得很不容易。记得杨之光老师曾看完我的个展后,语重心长地说“要简啊!”这句话切中了我的要害,我觉得太难了。杨之光老师的这个“简”应该和陈振国老师的“扔”异曲同工。我们勤奋、刻苦努力那么多年才把形画准了,成了“本事”,“扔”了,就不知道可以怎么画了?而且在什么时候“扔”?“扔”什么?什么东西是到了一定程度不需要的?比如说素描、速写为的都是造型。但我们发现,真正有成就的大画家们,都因为变形才成为大家。

  在现在多元化的态势下,在美术发展的进程里,曾经写实方向是我们追求的最主要风格,但现在多元化了,怎么画都可以。我们现在的困惑在于,每个人遇到的问题都不一样。现在我们不用再为画什么而操心,怎么画才是一个主要的问题。现在对于我来说,“扔”什么我都不舍得。招炽挺老师说的无论从造型的学习、传统的技法,还是书法的事,都是我们国画的基础问题,我觉得自己现在还一直往里面装,在造型方面,我就一直觉得没有装够。就写实绘画来说,说到底还是造型的问题,这里的造型就包括“变形”,“变形”也不是画得不准就叫变形,那种根本就没有达到能画准确的本事而去强调“似与不似”,就是为不会画画装点门面找借口。不论画面怎么处理,要是造型基础不行,画不准,我觉得都是怪的。当然,这是指写实画法的作品。

  广州美术学院教授张弘:

  创作要表达出自己对世界的看法和认识

  我个人认为,本科阶段的学习是以分餐制式的学习为主,并不是自己学想学什么就学什么,而是由学校配好,星期一要吃白菜,星期二要有豆腐……营养搭配全面,所以,本科学生的学习就按教材大纲规定的要求去学。而研究生阶段则应该是自助餐式的学习方式,应具有主动挑选的能力。现在有种现象,研究生的课几乎都跟本科一样,只是重复或加深了一点难度,学生的自主选择也没能强化。此时应培养他们能够选择自己想“吃”的,这才是研究生的学习方式。我想,用这样的方法对待学习传统也是一样。画家为了创作,可在传统里面去寻找缺乏的那些来补充,而不是把传统的东西全部要掌握,那其实是不可能的。

  我们也不能总是停留在“吟唐宋的诗、抒古人的意”这样的一种创作阶段。我们有些人,在创作中不是表达自己对现实世界的看法和认识,也没有在作品中反映出自己创作的态度,这就有点舍本求末了。光是模仿传统毫无意义,如何把传统的智慧糅合到我们的画面中,才是我们要解决的问题。

  再回到谈人物画的学习和创作。我记得林墉老师几次跟我们谈道:“作为人物画家,一定要在60岁之前画一些大创作,至少是有画过尺幅比较大的这种经历,这也非常锻炼人。”他说:“等到过了60岁,笔墨、经验虽都有了,但可能是体力、眼力与造型的感觉都跟不上,这就很可惜。至少要有意识地把大尺幅创作列入自己的计划中,每个阶段都能留下一点东西。”

  来源: 新快报(广州)

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